Este es el proyecto en solitario de Zack Smith, cantautor y multiinstrumentalista de California. Además, es miembro fundador de otras bandas: Three Mile Pilot y Pinback. Como Systems Officer publica su primer disco: 10 canciones que se pondrán a la venta el 3 de Noviembre ( En formato Cd pero que ya podeis comprarlo via Itunes ) bajo el título de Underslept. Se trata de la continuación de un primer EP que había lanzado en 2004.
Irony Bored, el sello creado por Gruff Rhys, jefe de los galeses Super Furry Animals, se enorgullece de sacar a la luz el debut de Cate Le Bon como primera referencia. Cantautora original de Cardiff, que en 2007 se ganó la atención de la gente al telonear a Gruff Rhys en su gira en solitario y le permitió defender su obra en directo en los festivales británicos más importantes (Glastonbury, Latitude,...). Además Cate fue invitada a poner voz al primer single de Neon Neon, la preciosa ‘I Lust U’ que terminó por empujarla a una nueva dimensión de popularidad.
Como corresponde a alguien que compone en la oscuridad, sus canciones contienen una gran carga emocional, una embriagadora mezcla a partes iguales de influencias como Nico, Bobbie Gentry, Stephen Malkmus (Pavement). “Me Oh My”. es un disco con una amplia paleta de instrumentación, gran parte tocada por Cate y parte por una banda de amigos que congenia perfectamente. Destaca sobre todo su gran habilidad al escribir canciones y una voz amenazante y dulce que a la vez que te cautiva de principio a fin siempre acompañada de su teclado Casio.
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Y entonces llegó el chill-wave. Habemus nueva etiqueta. Y con ella, blogs y foros patas arriba criticando su denominación de origen, The Wire rebautizándola como “hypnagogic pop” y hasta Simon Reynolds pronunciándose al respecto de lo que también ha venido a llamarse “glo-fi”. Sin saberlo, llevábamos varios meses enamorados del chill-wave. Sí, a su estirpe pertenecen todos esos trabajos inclasificables hasta ahora que combinan sintetizadores de baja fidelidad, nostalgia ochentas y un gustoso ramalazo new age, además del manejo de conceptos en abstracto como “juventud”, “verano” y “cosmos”. Dayve Hawk es desde ya su máximo exponente y se oculta tras el nombre de Memory Tapes con un debut de altura. Pero 2009 también ha visto nacer a otras sugestivas formaciones bajo la misma premisa. El arco alcanza a los noveles Neon Indian, Washed Out, Gold Panda y Small Black (todos interesantísimos y a punto para el gran salto), y a otros ya conocidos como Nite Jewel, Atlas Sound o todo el paraguas de bandas que acoge Sincerely Yours, el sello sueco que sube y sube y que en su momento ya la echara el ojo a nuestro hombre.
Originario de Philadelphia, el protagonista de esta historia vive en New Jersey. Tiene 28 años y lleva desde los 14 grabando música. No tiene móvil ni carnet de conducir y le cuesta horrores moverse de casa (¡incluso cuando Cocteau Twins le ofrecieron una gira por UK hace ya unos años!). Cantante de los extintos Hail Social, Hawk ha venido centrándose últimamente en el proyecto que nos ocupa y en sus otros dos alias. Como Memory Cassette y Weird Tapes ya había dado el cante gracias a bombásticos remixes para Yeah Yeah Yeahs, Peter Björn and John, Major Lazer, Fool’s Gold y Britney Spears, pero el momento de la verdad le llega ahora. En Memory Tapes se cristalizan todas sus filias musicales de una forma apabullante, con un sonido muy trabajado y limpio que destila las texturas al máximo y para el que ya ha anunciado una nueva entrega antes de finales de año.
Más vertical de lo que pueda parecer en principio, relajado en los polos y con la coraza electrónica más potente en el centro, “Seek Magic” suena presto, precioso y preciso. Sin grumos, respetando con escrúpulos la dosificación de cada ingrediente y batiendo siempre hacia el mismo lado, la crema se degusta fina y sabrosa, con hallazgos exquisitos como esos found sounds grabados en una cancha de basket que gimen en “Green Knight” o como las acertadas codas con las que hace evaporarse varios de los temas. Surreales y remotas, son canciones bellas por dentro y por fuera. Un crossover interestelar que se eleva solo y que se sublima en ese pasaporte a otros mundos que es la progresiva “Treeship”, 22 minutos de derivaciones ambientales que Rough Trade ha editado en cd como bonus disc y que desde la semana pasada también puede descargarse aquí.
Al culo inquieto de Hawk le gusta jugar a despistar, por eso abre con el arrastrado tono de la bucólica “Swimming Field”. Nada hace sospechar el festival de IDM que vendrá después cuando todo empiece a desdoblarse entre los noventa y nuestra década, partiendo de New Order (“Bicycle”) y llegando hasta Cut Copy (“Stop Talking”), enfocando a The Field Mice desde el prisma de Nathan Fake, o saltando de Aphex Twin (“Pink Stones”) a Boards of Canada en esa “Run Out” que es como un escondite de “Geogaddi” sin las referencias demoníacas. Todo muy sexy, pistero y liviano a la vez, quirúrgico como aquellos primeros discos que nos enseñaron lo que era la indietrónica, un género al que por momentos este parece una respuesta. Así se construye un refugio estético en el que campa a sus anchas la utopía del baile perfecto con lágrimas en los ojos. Exquisito. Cristian Rodriguez.
Cuesta encontrar un grupo con una vinculación tan íntima con su audiencia y, especialmente, con su ciudad. A muchos, si nos preguntaran cuál es el grupo más autóctono, más arraigado a Barcelona, diríamos Nueva Vulcano. Un verdadero fenómeno de culto que se ha convertido en el grupo de muchos. No solamente el grupo favorito de muchos, sino el grupo que representa a muchos. A veces, cierta poesía más o menos críptica, acompañada de música visceral y sin concesiones, cala tan hondo entre sus seguidores que la admiración por una banda se convierte en un culto; en el ritual de ir a absolutamente todos sus conciertos, en el ritual de coleccionar cada single o cada álbum que se edite de ellos.
Todo esto es lo que Nueva Vulcano son hoy día: un grupo especial. Ahora nos presentan su tercer disco de estudio, "Los Peces de Colores" (BCore, 09), después de su debut "Principal Primera" (BCore, 04) y de su impresionante "Juego Entrópico" (BCore, 05), que les ha mantenido en los escenarios durante 4 años, exceptuando pequeños episodios discográficos como el EP compartido con los norteamericanos The Life And Times, que les llevó de gira por los EEUU, y el single "Los días señalados" (BCore, 07), más referencias para la lista de singles que llevan editando en paralelo a sus álbumes. Su fiel aliado, Santi Garcia, quien para este disco les ha hecho levantar el tono de voz y hacer que Artur Estrada cante más alto y claro que nunca, para que sus increïbles letras salgan a relucir como debe ser; maravillas de la lírica como "Níquel, Canela", una de las letras más preciosas escritas jamás por Artur, de una sencillez y belleza conmovedoras.
O evocadoras como "Dulce y ácida" y "África", divertidas como "Jen Trok, logopeda", oscuras como "La maleza", o de una proximidad casi sociológica en "La ley de costas". Letras propias de alguien que, simplemente, no sabe imitar a los demás y tiene que inventarse su propio lenguaje. Como siempre, esa guitarra sucia y a veces tímida, esos arreglos de bajo monumentales salidos del genio compositor de Wences Aparicio y esa batería poseída por el diablo de Albert Guàrdia, que en este disco ha grabado las pistas de su instrumento en los estudios Garate Studios de Andoain, conforman un conjunto de una sonoridad inconfundible y que hace que toda la poesía, ya sea lírica, estética, musical o conceptual de Nueva Vulcano brille con más luz que nunca.
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/ " El disco que hemos compartido es un PRE/MASTER no es la copia definitiva del disco, pensabamos que era la copia de Itunes, ya perdonareis."/ ( De todas maneras dar las gracias a Pepo por mandarnos el disco ) y pedir disculpas al grupo por el error.
Os dejo el tema " Dulce y ácida " ( Al partir del lunes se volvera a subir )
“El Perro Es Mío”, nuevo disco de Francisco Nixon, contiene una excelente y variada colección de canciones que refulgen gracias a unas melodías, unas letras y unos arreglos que dan la razón a los que piensan (pensamos) que, hoy en día, una buena canción pop no tiene porqué estar compuesta para que sobre todo la entiendan (y disfruten) los niños de 5 años.
La grabación tuvo lugar entre agosto y septiembre de 2008 y el laboratorio sonoro elegido fue, al igual que sucedió con la primera referencia de Nixon (“Es Perfecta” siesta 232-2006), el estudio que el eminente Paco Loco tiene en el Puerto de Santa María. Como suele ser habitual, el propio Paco Loco se ocupó no sólo de la producción sino también de muchos de los arreglos, guitarras, bajos, percusiones… una colaboración que Fran Fernández encajó con sumo agrado ya que sabe muy bien, y desde hace ya mucho tiempo, que las cosas salen mucho mejor cuando uno cuenta, como diría Ringo Starr, “con la ayuda de los amigos”. Corrobora esta idea el hecho de que en el disco no sólo encontramos canciones de Fran, ya que la otra mitad del Proyecto Nixon, Ricardo Vicente, también ha aportado composiciones propias que además él mismo interpreta, cuida, pule y da esplendor.
Y es que bien podríamos decir que Francisco Nixon está formado por un atípico dúo en el que conviven dos Quijotes -o dos Holmes- que no necesitan de Watson o Sancho Panza alguno que les pongan los pies en el suelo, ni falta que hace. De eso ya se ocupa el (muchas veces demoledor y aburrido) día a día y si de algo estamos necesitados es de imaginación, esperanza y buenas canciones. Y de todo ello anda más que sobrado “El Perro Es Mío”.
La primera vez que pensé que Fran tenía talento fue a principios de los 90 (todavía no nos conocíamos) cuando, en mitad de una entrevista a Australian Blonde, a la manida pregunta de “¿cómo os formasteis?” contestó algo así como “Ya sabes, cada uno en el vientre de su madre”. Una respuesta que en boca de un punk podría haber sonado bastante agresiva pero que pronunciada con ese dulce y pausado acento que tienen los asturianos no dejaba de tener una connotación tan ingeniosa como entrañable.
Luego vendrían muchas más muestras de su talento (me refiero sobre todo al compositivo, pues tanto el humano como el intelectual no vienen al caso y me los guardo para mí) gracias a las canciones de Australian Blonde, La Costa Brava (precisamente, las primeras composiciones que estaban destinadas a Nixon terminaron desperdigadas -pero felices- en las primeras grabaciones de La Costa Brava ya que el gran salto que condujo a Fran Fernández a cantar en castellano coincidió en el tiempo y en el espacio con el encuentro con -el añorado cada día- Sergio Algora) y, por supuesto, de Francisco Nixon.
Precisamente, Sergio Algora me dijo un soleado día del siglo pasado que si uno aguantaba más de diez años en “esto de la música” acababa llegando su momento. Evidentemente, no se refería a la calidad de la música sino al (necesario) reconocimiento que todo buen artista necesita y merece. Pues bien, yo, sinceramente, creo que el momento de Fran Fernández ha llegado y las canciones de “El perro es mío”, sin duda, son una buena muestra de ello.
Por supuesto, entre los temas que conforman el disco yo tengo mis favoritos, pero, una vez más, me los guardo para mí ya que seguramente no coincidirán ni con los preferidos por los propios autores ni con los que cada uno de los receptores pueda elegir para pasar una tarde, levantar un día, tirarlo abajo, dar carta libre para que revoloteen las melodías por la cabeza sin descanso durante meses o, simplemente, para permitir que esas canciones se entremezclen con su biografía de forma permanente. Después de todo, ¿no es de eso de lo que trata el pop?.
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" ALTAMENTE RECOMENDADO "
Os dejo el tema " Erasmus Borrachas " + CD para DESCARGAR
El cantautor madrileño Quique González regresa, tras dos años de silencio, con "más experiencia y bagaje musical", plasmado en las letras intimistas de "Daiquiri Blues", su octavo trabajo, grabado en Nashville, una "meca" que también acogió a algunos de sus ídolos, como Johnny Cash, Bob Dylan o Neil Young.
En "Daiquiri Blues", que sale hoy a la venta en un formato que incluye un DVD del proceso de grabación, participan músicos de la ciudad americana como los guitarristas Will Kimbourgh, Pat Buchanan y Doug Lancio, el violinista Chris Carmichel, el batería Ken Coomer y el pianista y organista Tyson Rogers. Pero sin duda, la colaboración que más satisfacción le ha dado al cantautor madrileño es la del músico Al Perkins, un experto en pedal steel con el que ha sido "un privilegio y un honor" trabajar porque ha estado presente en discos de algunos de sus "héroes" como Bob Dylan o Leonard Cohen.
Un proceso de grabación "peculiar", subraya González, porque su productor Brad Jones, con quien tuvo una relación "muy fluida", decidió no dar las partituras a los músicos hasta la llegada al estudio.
"La primera vez que tocas algo lo haces desde el corazón, algo que se pierde en las siguientes tomas, porque entonces ya se interpreta con la cabeza", explica el cantautor, que añade que como mucho se hicieron cuatro grabaciones de cada canción e incluso algunas se quedaron en dos.
En tan sólo 23 días se fueron entrelazando las historias de "La luna debajo del brazo", "Hasta que todo te encaje", "Deslumbrado" y "Riesgo y altura", "la más complicada de encarar", que es un tema con toques de jazz que se aleja de su "estilo habitual", admite. Mientras leía "Últimas tardes con Teresa", de Juan Marsé, fue transcurriendo la grabación, justo cuando murió su "ídolo" Antonio Vega. Por eso, "Daiquiri Blues" está dedicado a él, "por su magia y porque siempre será la inspiración".
"He tenido la suerte de tener gente a mi lado que se han convertido en mis amistades y me han hecho tenerlo claro", explica el cantautor cuando recuerda sus inicios en "El rincón del arte".
Tras trabajar con Universal, Varsovia y Dro Atlantic y también haber experimentado la autoedición con "Kamikazes enamorados", González es el primero en lanzar disco con el nuevo sello Last Tour Records.
"No conozco a nadie que haya tenido una relación idílica con las discográficas", reivindica González, quien quiere alejarse de su cliché de "rebelde" porque cree que en cualquier trabajo la gente lucha por sus derechos. González estará junto con su nueva banda, compuesta por Toni Jurado (batería), Jacob Reguilón (bajista), Julián Maeso (hammond) y David Soler (guitarra y pedal-steel), el próximo mes de diciembre en ciudades como Sevilla, Barcelona, Madrid, Valencia o Bilbao.
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Cada disco de la Lafourcade había estado marcado por una exigencia particular. Si en Natalia Lafourcade era demasiado notoria la presencia de un productor, en Casa se encontraba oculta detrás de La Forquetina, mientras que Las cuatro estaciones del amor resultó un proyecto alterno donde el verdadero protagonista es la Orquesta Sinfónica Juvenil del estado de Veracruz.
Da gusto escuchar este Hu hu hu donde Natalia Lafourcade suena a Natalia Lafourcade y a nada más. Un disco exquisito, de sonoridades sutiles, de texturas, con mucha influencia de músicos como Leslie Feist o Sufjan Stevens. Una delicia para los oídos.
Destaco temas como “Hu hu hu”, a dueto con Julieta Venegas, “Running too fast”, donde su voz recuerda demasiado a la etérea Joana Newsom, así como la increíble “Azul”. Quizá sus únicos puntos débiles sean los otros dos temas en inglés, donde Natalia suena limitada y acartonada en su pronunciación.
Hu hu hu es un disco notable, que demuestra que Natalia ha alcanzado su madurez y ha dejado muy atrás a su madrina Julieta Venegas y a la insufrible Ximena Sariñana. Bien por ella.
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Sí. Definitivamente, Mamá ha vuelto. Los que fuimos fans hace treinta años –sí, treinta han pasado desde su comienzo– hacíamos malabares con el disco en las manos, aún sin desprecintar. Ni queríamos arriesgarnos a que se deshiciera el mito, ni queríamos dejar de escucharlo. ¿Qué habrá hecho Granados? ¿Solventará con maestría el peligro de un nuevo disco de su grupo? La respuesta estalla en la segunda escucha, ocupada la primera en hacerse una composición de lugar y en intentar conectar con algo que estaba desvanecido en la memoria. Y resulta que sí, indudablemente, son Mamá, nuestros Mamá.
Lo primero que temíamos son los arreglos, visto el desastre que organizó Luis Cobos en su segundo disco. Aunque, en contra de la opinión general, no encuentro que los arreglos de Juan Luis Izaguirre en el primero sean especialmente deplorables, simplemente un productor excelente se vio atrapado por la moda imperante en una época en que cada tres meses cambiaban las modas. Si te tocaba el periodo hortera, estabas perdido. Y aun así, consiguió no destrozar las canciones y que aguantaran bien el tirón del tiempo. En este caso optan por una producción atemporal, es decir inexistente, y dejan a las guitarras correr por su cuenta. Inteligente maniobra en un grupo del que siempre se ha alabado la crudeza de sus maquetas, su verdadero sonido.......
Solander podría ser un nombre desconocido para usted, pero en realidad Solander ha existido en distintas formaciones desde 2005. Hacer música para el corto Hrólfs película En dod (Un cuervo muerto) en 2006, contribuyendo con música de la película Hata Göteborg (Gotemburgo Hate) en 2007 y de lanzar tres EP's extendió durante estos años.
Solander es Fredrik Karlsson respaldada por varias personas en su mayoría de la escena underground de Malmö. Podría ser un cuarteto de cuerda, podría ser un rockband indie o, a veces sólo por un violonchelista único. Todo esto es una mera clase diferente de los ángulos de lo que Solander suena, nunca se sabe. Pero lo que sí sabemos, es que la música Solander se basa en melodías y letras fuertes reflexivo, una variación amplia de instrumentos, y un hambre de explorar nuevos caminos y formas diferentes para realizar las canciones.
Comenzó como un rockband indie en Gotemburgo de 2005, la forma de Solander pronto cambió en algo completamente diferente. Solander se convirtió en un proyecto de grabación de Fredrik Karlsson, cuando se trasladó a Malmö en 2006. Desde entonces ha sido parte de un montón de otras bandas y colaboraciones ao Fredrik (la banda, no se refiere a Fredrik Karlsson, mayor confusión), Vit Pals y Band In Box para mencionar algunos. Cada banda de explorar caminos muy diferentes por el camino musical. Recolección de impresiones y de probar diferentes formas de escribir canciones, grabar y de tocar en directo durante estos años ha hecho Solander creciente en un acto muy emocionante seguir!
Puesto que son palomas, el álbum debut de Solander estará fuera de una grabación Tenderversion el 16 de octubre de 2009. El álbum cuenta con miembros de las bandas de Fredrik, Vit Pals, Audrey, trozos de cinta, Testbild! y mucho más.
La traducción de la info no es de lo mejor pero bueno...aqui la podeis encontrar en su version original. + Info en su MYSPACE
Desencantado tras su paso por diversas formaciones de la escena independiente barcelonesa, un buen día Hans Laguna decide aislarse y emprender una aventura en solitario. Su primer fruto es “El hombre teórico” (2006), un debut doméstico en el que destacan los medios tiempos, las raíces americanas y unas letras muy cuidadas (Rockdelux # 253).
Poco a poco, Hans va saliendo de su aislamiento y se embarca en proyectos tan diversos como la composición para piezas teatrales y un L.P. junto al poeta Albert Balasch (“Fan dissabte”,2008).Mientras tanto, realiza conciertos de pequeño formato en los que demuestra una creciente necesidad de explorar los límites de la canción de autor. Así, con el objetivo de poner a prueba su propuesta personal, H. L. decide formar una banda: LA SINTAXIS. Después de un año y medio de actividad (que incluye conciertos como el del Festival Tranuita, junto a The Right Ons y La Brigada, o su colaboración con la web Venuspluton!), Hans Laguna y la Sintaxis presentan al fin su E.P. de debut.
En este disco, la voz personal de Hans se acompaña de texturas e intensidades propias del rock independiente o incluso el noise. La obra, construida con esmero a partir de la alianza entre palabras, melodías y guitarras, consigue trasmitir elegancia sin perder la sencillez. Especial atención merecen unas letras que huyen de los lugares comunes del costumbrismo y las relaciones sentimentales: en lugar de contar historias o reflejar estados de ánimo, las canciones de Hans Laguna dibujan una serie de reflexiones que buscan trascender el ámbito de lo íntimo. El disco, sin embargo, está repleto de melodías disfrutables, demostrando así que la abstracción poética y filosófica no tiene por qué estar reñida con la inmediatez del pop.
" Nos encontramos, en definitiva, ante la carta de presentación de una interesante propuesta, basada en el empeño por superar la tensión entre lo personal y lo colectivo entre la melancolía y la esperanza entre lo profundo y lo superficial entre la comodidad y el riesgo ".
Y quién este tal Sr. Nadie, os estaréis preguntando. Pues es Jaime G. Soriano. ¿Tampoco así? Pero si digo Sexy Sadie todos empezamos a entendernos, ¿no? Pues bien, el bueno de Jaime, ex-vocalista del grupo, comienza bajo ese sobrenombre una nueva etapa en solitario y en castellano (sí, sí, en castellano).
Atrás quedan los estupendos tiempos de Some like you, Always drunk, I won’t hurt you y un buen puñado de canciones del grupo mallorquín. Pero el horizonte que se presenta no tiene en absoluto mala pinta. El que fuera solista de la banda acaba de publicar un Ep como adelanto de su nuevo disco que está previsto para octubre. Contiene tan sólo cinco canciones, de las cuales únicamente dos se incluirán en el tracklist definitivo del Lp.
Nu es puro pop, de corte clásico, con estribillos pegadizos a más no poder. Ya no puedo seguir así, el tema que lo abre, se ha convertido probablemente en mi canción favorita de lo que va de año en castellano (sin contar las de Fabián, que hay que darle de comer aparte) y, diría que con bastante diferencia. Es un trallazo pop de los que incita al movimiento (pruébese conduciendo al volver del trabajo a todo volumen, no tiene desperdicio), con unas guitarras intensísimas y una producción limpísima, muy luminosa, que podría ser francamente radiable (no caerá esa breva). Ilusos en el espacio es un fundamentalmente acústico, bastante bueno, aunque el agravio con la anterior es inevitable. Sensible, que no pasteloso, con unos riffs de fondo en el estribillo realmente sugerentes.
Sigue con Lo que quieras oír, una versión del tema de los Pistones, 100% pop, pegadizo, enérgico, hecho con estilo, bastante fiel a la original. Alicia es melancolía pura y dura, el corte más intimista, que huele a dolor y amargura por todos lados. Finaliza con un bonus track: Desnúdate en el que la guitarra acústica y la voz de Jaime, con un deje country muy molón, son los protagonistas principales acompañados (muy de fondo) de una suave guitarra eléctrica que redondea la canción.
Crítica realizada por Nathaniel para la página SEXTOHOMBREDIGITAL ( Recomendada ) +Info en su MYSPACE
Maydrim es sonido en experimentación constante, una fusión sin complejos de diversos estilos, que cuenta entre sus influencias a agrupaciones míticas como The Cure, Depeche Mode, Kate Bush, U2 o Radiohead.
Poniendo en escena lo mejor del rock y la electrónica, Maydrim ofrece una experiencia musical sin precedentes. Su sonido fresco, explosivo y lleno de detalles imposibles, junto con su impecable producción, hacen de Maydrim el grupo español más vanguardista y con mayor proyección internacional de todo el panorama musical actual en nuestro país. Maydrim está encabezado por la cantante y actriz Sara Montgomery Campbell y el músico y compositor Antonio Escobar.
Lovely Luna reaparece después de cinco años de silencio discográfico con su nuevo álbum "Chang y Eng", que será editado de manera completamente independiente el próximo 7 de noviembre de 2009 y presentado en directo el 10 de noviembre en el Teatro Lara de Madrid.
En diciembre de 2008, previamente al retiro de Xoel López por las Américas y en paralelo a la carrera musical de Felix Arias, Lovely Luna se juntaron una vez más en el estudio para grabar el que será su tercer álbum desde 1995 hasta la fecha: Chang y Eng. Coproducido por Juan de Dios Martín, "Chang y Eng" nos muestra a dos escritores de canciones que se alejan de ornamentos sonoros para sacar lo más esencial de sus composiciones.
En su disco más maduro nos reflejan como nunca su imaginario personal y nos narran grandes y pequeñas historias en cada una de sus pistas:
01. Parando el tráfico 02. El tercer día de abril 03. Chang y Eng 04. Llegó una carta 05. Rosa 06. Borrascón 07. Tan sólo es la vida 08. Balada del hombre desesperado y la novia en el río 09. Luna adorable 10. Usted
En sus catorce años de existencia Lovely Luna ha buscado una pausa entre las respectivas carreras musicales de Xoel y Felix, plasmada en sus anteriores trabajos, "Lovely Luna" (Guerssen 2000) y "Las cosas que nadie debe ver" (Mushroom Pillow 2004) y ahora "Chang y Eng".
" Una semana antes del Lanzamiento del disco podreis escucharlo integramente en suMYSPACE, nosotros de momento gracias a Miguel Promociones tenemos el disco entero para la escucha, en estos dias haremos una crítica detallada "
En Argentina, Lisandro Aristimuño ya ha sido elevado al Olimpo de los elegidos donde habitan gentes como Spinetta, Calamaro y Charly García, incluso ha atraído hacia éste, su cuarto trabajo, a Fito Páez que colabora en el bellísimo vals "Desprender del sur". En España no ha pasado de tocar en pequeños locales, eso sí seguido por una caterva de fanáticos y de colegas de la profesión como Quique González que también aparece colaborando por aquí.
Desde las primeras grabaciones, su carrera ha estado marcada por los mismos valores de especial cuidado en sofisticados arreglos musicales basados en los ritmos tradicionales del folclore argentino, así como en los sensibles y poéticos textos que lo acompañan. Ahora se materializan con una exuberante y a la vez sencilla producción técnica llamada "Las Crónicas del Viento"
Poco más puede aportar un castellano parco en palabras, mejor escuchar a sus compatriotas:
"Lisandro Aristimuño está parado en un lugar equidistante entre el pop sinuoso de un Lucas Martí y la poética juglaresca de Gabo Ferro. Estos tres artistas -Martí, Gabo y Aristimuño- están definiendo los perfiles de la canción pop (en un sentido amplio) actual a través de obras valientes, inteligentes y obcecadas." clarín.
O mejor aún el propio Lisandro comentando sobre su doble álbum:
"Es un cuento que nace desde mi infancia relatado por el viento... al haber nacido y vivido en la Patagonia tuve la dicha de que el viento me cuente muchas cosas y me propuse contarlas o, mejor dicho, cantarlas... El capítulo 1 es un disco eléctrico y más activo en donde participa mi banda, los azules turquesas, y músicos invitados... El capítulo 2 fue grabado en una casa. Tuve la intención de que se sienta ese sonido rústico y casero... los dos cuentan esas crónicas del viento desde distintas visiones terrenales pero unidas por el mismo océano... emigrando como las aves."
No importa que sean muchos los que acuden una y otra vez a los mismos nombres de siempre mientras algunos discos brillantes se les escapan entre los dedos. ¿Y saben por qué no importa? Porque a uno le gusta compartir y, por experiencia, sabe que las palabras no siempre caen en saco roto. Por eso ahora me veo en la obligación de subrayar que Ramona Falls merece la pena. ¿Ramona Falls? Sí, un curioso nombre tras el que se esconde Brent Knopf, ese tipo inquieto que anda también metido en Menomena.
Aunque no se lleven a equívoco, Knopf no es un huérfano que coge su guitarra y compone once canciones mientras recolecta la pelusilla de su ombligo. Le respaldan un buen puñado de amigos que militan en Mirah, 31 Knots o The Helio Sequence entre muchos otros grupos. Eso sí, sus once canciones son más terrenales y menos freaks, más rotundas y más ásperas. No hace falta más que dejarse llevar por la marcialidad de “I Say Fever”, la confidencialidad de “Russia” o la teatral y dannyelfmana “Always Right” para entender por qué el trabajo de Knopf merece la atención escurridiza de la que sí gozarán otros tipos con más suerte y buena prensa que él.
Menuda sorpresa la de este cuarteto madrileño. Es su segundo disco tras un estreno de nombre homónimo aparecido en 2003 y que apenas tuvo repercusión. Este Sintético llevaba el mismo camino, pues se grabó en 2005 y hasta esta pasada primavera ( 2008 ) no se ha editado. ¡¡¡ Increible !!! Aunque a ninguna discográfica pareció interesar, estamos ante uno de esos discos que se desmarcan de las propuestas habituales. Su escucha se hace imprescindible.
En una primera escucha saltan al odio sonidos de pop oscuro años 80', The Cure sobre todo, pero hay más cosas, algunas más evidentes otras más escondidas. Entre las primeras, ritmos repetitivos hasta el extremo, donde late el espíritu de la Velvet: baterías contundentes y bajos rotundos que se tensan machacónamente. Entre las segundas, esbozos de psicodelia contenida y algunos momentos de distorsión guitarrera. Entre tantos sonidos densos ¡¡¡ milagrosamente destacan las melodías !!! tanto de guitarra como de voz. Importante también esta que adopta diferentes registros según las distintas canciones-historia.
Recuerdan las canciones, por su forma aunque en Nudozurdo con una cara más amable, también por sus letras, a bandas como Vírgenes Adolescentes, 713 avo Amor, Vamos a Morir, Corcobado y los Chatarreros de Sangre y Cielo... los grupos de riesgo que bajo la escudería Triquinoise y algunas otras hicieron arder las alcantarillas de Madrid en los primeros 90'. Melodías hipnóticas y letras crípticas que recrean ambientes truculentos, amor y desamor sin reservas, desgarro emocional. Luces en el fondo de la oscuridad.
Abre el disco "Mil espejos" donde el ritmo te atrapa hasta que aparece la voz (muy parecida al German Coppini de Golpes Bajos) pasados dos minutos de canción. Sigue "Negativo" donde la repetición de estribillos y arreglos nos dan una visión de circo grotesco. "Kamikaze" es su descenso a un particular infierno. "El Hijo de Dios" es una narración (de obligada escucha, tremenda) para que te hagas tu propia historia. "Ha sido divertido" es un juego desenfrenado de dulzura y amargura.
Mamut son uno de los fichajes más recientes del sello Subterfuge. Una banda formada por Julia (voz, percusiones, ternera), Sergio (voz y guitarra ), Sole (ukelele, coros y percusiones), Javi (batería), Jonás (teclados), Miguel (bajo) y Edu (guitarras) que gusta del pop claro y chispeante, que transmite optimismo y lleva sonrisas a las caras de sus oyentes.
Ahora acaban de publicar su álbum debut, grabado en los Estudios UNO de Cinearte y en casa de Fino Oyonarte (ex-Los Enemigos y Clovis), quien se ha encargado de la producción musical. Once canciones para un grupo que reconoce influencias de bandas como Pavement, Feelies, Arcade Fire o Flaming Lips, y que ha logrado una buena base de fans gracias a su MySpace.
Enfrentarse a este tercer trabajo de Pumuky, segundo en formato largo, es ponerse delante de un viaje placentero y doloroso a la vez. Con un crecimiento de la propuesta en cada uno de sus pasos, así como de la ambición mostrada por la banda, que busca una y otra vez una formación estable pivotando por la figura de Jair Ramírez, principal responsable y compositor de la mayoría de músicas y letras del grupo, “El Bosque en Llamas” (Jabalina, 2009) supone el perfeccionamiento de una fórmula que puede beber de fuentes reconocibles (Los Planetas más densos, algunas instrumentaciones que recuerdan a la etapa inicial de Sr. Chinarro) y en las que las capas de sonidos, voces y texturas esconden corazones solitarios, toneladas de melancolía pero ante todo, siempre amor.
La desesperación de momentos tan bellos como “Si desaparezco” en el que la aportación de la voz de Marina de los murcianos Klaus & Kinski dota de un nivel superior a una canción ya conocida en una fase maquetera. También están las tormentas imaginarias de sus trabajos anteriores como “Tu marca” que pasa por ser un tema con distorsiones ya clásicas de la banda. Todas estas historias de aislamiento emocional, de frases que deberían ser dichas y a veces quedan en suspenso por timidez, por egoísmo o por simple estupidez remachadas por la circunstancia de la insularidad de la banda canaria saben encontrar lo que los exploradores perdidos del anterior disco del grupo parecían buscar. En concreto, de ese trabajo, “Los Exploradores Perdidos” (Lejos, 2007), la sensacional “El eléctrico romance de Lev Terman y la Diva del Eter”.
Grabado en los estudios de Arturo Vaquero (Humanoid), como suele ser habitual en los trabajos del sello, y con colaboraciones que enriquecen (aparte de la de Marina están Abraham Boba y Pepo Márquez de Garzón) el disco es una colección de canciones muy destacables como “La metamorfosis” o “El innombrable” pero en la que destaca de manera poderosa la que se encuentra justo en el centro del disco: “Los enamorados”. Quizá la mejor canción de su carrera junto a “Dummies in love” de su primer trabajo y, como esta, una muestra de desesperación amatoria de mucho, muchísimo peso. Crítica realizada por L.S Daniel.
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Fever Ray es Karin Dreijer Andersson, la otra mitad del dúo de hermanos que compone The Knife, proyecto que se hizo muy popular en España gracias a un anuncio de coches que incluía una versión de su tema “Hearbeats” por el cantautor Jose Gonzalez. Fever Ray, mismo nombre para un proyecto y un albúm de intenso sonido que sigue la misma línea que The Knife, pero a su vez diferente; mezcla de electrónica y la atracción por la belleza de instrumentos tradicionales (una guitarra allí una conga allá).
Karen comienza con su proyecto en solitario cuando el esfuerzo de los dos hermanos con The Knife culmina con un gran reconocimiento. En el 2007, después de haber girado con enorme éxito, the Knife recibe 6 Grammys, y su tercer albúm, “Silent Shout”, es considerado mejor álbum del 2006 por la prestigiosa web Pitchfork. Después de tener su segundo hijo y unos meses muy productivos, Karen reúne todo el material que será Fever Ray. Segura de cómo terminar bien un trabajo recurre en parte a Christoffer Berg (quien ha trabajado ya mezclando The Knife) y por otro lado llama al dúo de productores Noruegos Rivers & The Subliminal Kid, para darle al proyecto el brochazo final.
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Os dejo el tema " Seven "( el cd deja de compartirse al haber estado 2 dias en libre descarga )
Evil Evans es delgado, peludo y bien parecido, aunque de estatura media-baja. Como su catadura moral. Nació y creció salvajemente en las playas de Cádiz llevando una vida centrada y ordenada. Sin embargo, como a todo cerdo le llega su San Martín, un día de hace siglos su padre le puso cuerdas nuevas a una guitarra vieja que encontró en casa de sus abuelos. Desde entonces todos sus allegados coinciden en que ha perdido la cabeza: son frecuentes sus olvidos, ha perdido el móvil y las llaves innumerables veces y ha estado varias veces a punto de quemar su casa. Que se lo haga mirar...
"Dávalos contó la siguiente anécdota. Parece que tenía una estancia y salía a trabajar al bosque, con los hacheros. A uno le regaló una guitarra. Pocos días después se le acercó otro y le dijo: "Dígame patrón, ¿es verdad que le regaló al Nemesio una guitarra?" "Es verdad". Entonces el hachero le tomó la mano y con voz conmovida le dijo: "Gracias". Dávalos añadió que en ese momento no pensó que la guitarra y el vino siempre iban juntos: ese hachero se dio a la bebida y murió borracho." "Borges".
" Dar las Gracias a Ricardo ( Evil Evans ) por descubrirme su música y que podamos compartirla para todo el mundo desde el blog ( por cierto mejor que un Mercedes un Bmw jeje ). "
Os dejo el tema " Todo salio mal " + MAQUETA para DESCARGAR
¿Se puede hacer un disco de 14 canciones y una hora de duración y que no se haga pesado? Es muy difícil. Es más, me atrevería a decir que es casi imposible si el autor no se llama Tom Waits, Leonard Cohen o David Tattersall. Tu hoguera está ardiendo (Jabalina), la puesta de largo de los murcianos Klaus & Kinski, cumple la extensión expuesta y naturalmente, llegados a la final ‘Sintigo o sin ti’ la conclusión es que si esto lo hubiéramos dejado en diez u once temas lo habríamos bordado. Porque más allá de los grandes temas que allí se encuentran, lo mejor de Tu hoguera está ardiendo es la voz de Marina Gómez, frágil, dulce, tapada, un susurro continuo embriagador que cuesta entender. Y eso supera las canciones.
‘La mano de Santa Teresa de Jesús’, ‘Flash-back al revés’, ‘Nunca estás a la altura’ y ‘Crucifixión, la solución’ son las cuatro culpables de este post. Larga vida al pop a pinceladas de épica casera, country o shoegazing. El eclecticismo que gasta el compositor Álex Martínez teje el hilo que sigue todo el disco con la gran (de tamaño, no de calidad) anécdota de ‘Mengele y el amor’, un bolero que por mucho que pueda interpretarse como un guiño, una broma o una parodia, canta y rompe a la quinta pista el común sentido que iba cogiendo el disco.
Otra que tal es la post-punk ‘Rocanrolear’, que se carga la luminosidad candente que la voz de Marina logra dar al conjunto del disco, aunque deja el trono del despropósito para el bolero. Sin embargo, saltar de ahí a ‘La mano de Santa Teresa de Jesús’ o ‘Flash-back del revés’, que aúnan los conceptos pildorazo, estribillo (así, en negrita) y letras ingenuas pero efectivas, acaba por dar la razón a la hipótesis que estamos delante de uno de los debuts que acabarán por sustituir toda una generación de indies españoles que han crecido a la sombra de Planetas, Chinarros y demás sin llegar a su altura. Ahora viene la oportunidad de los siguientes.
A finales de 2004 y bajo el nombre de Piloto Ciego, Javier Ros autoedita su primer disco en solitario. Disco homónimo grabado en Rock Flow Estudio por Rafa Sánchez y la colaboración de músicos como Santi Campillo, Salva Ortiz y Javi Vela.
Un disco grabado prácticamente en tres tardes con el concepto de dar, para lo bueno y para lo malo, por buenas las primeras tomas y recoger así la frescura del momento. Una ligera explicación de los arreglos que quería y a tocar. El diseño lo realiza Dídac Ballester. (Portada candidata a los premios LAUS 2006).
Por entonces recibía peticiones de discos por correo desde la web que solían adjuntar palabras de ánimo para seguir grabando canciones. Fue un hermoso espejismo en el tiempo cuando la demanda en formato físico se iba tambaleando más y más. A la hora de llevar estas canciones al directo, se han unido al proyecto Carlos Soler Otte (ex-Dizzy Noise y actuálmente con su interesante proyecto Damien Lott) a la guitarra y Danilo Argenti a la batería .
Durante el verano de 2006 se graba "MUNDO DESPERTADOR " de nuevo dirigido por Rafa Sánchez en Rock Flow Studio y producido por Piloto Ciego. En esta ocasión respeté los arreglos que recogí de las primeras maquetas y los músicos no hicieron mas que enriquecer dichos arreglos como por ejemplo Carlos en canciones como 1969, Quizás, Borrachos o Salva en Alquiler y también mejorando Borrachos de Ausencias.
Javier Ros, bajo y voz Carlos Soler guitarras elétricas Salva Ortiz las baterías y colaboran Frankcho Gallego a los teclados y Eva Mora en los coros. Mezcla y masteriza Luis M. Pisu (Suso) en R.C. Estudio y el diseño lo realiza de nuevo Dídac Ballester.
En 2009, que es el disco que os presento graban un disco doble con 20 canciones que lleva por título "LAGRIMAS COLGADAS DE UNA PINZA AL SOL". Casi toda la grabación se realizó como ya es habitual en Rock Flow Estudio, con el control en los mandos de Rafa Sánchez y Manolo Carreño (Laszlo Kovacs), pero en esta ocasión Ros ha gozado de más libertad al poder desde su estudio propio añadir arreglos como teclados, acústicas, armónicas, coros, vientos.. y mimar más el resultado final. En principio no vamos a fabricarlo a no ser que alguien tenga interés en editárnoslo, así que de momento solo se encontrará en internet.
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El disco lo dan en DESCARGA GRATUITA desde este ENLACE
Podeis encontrar sus anteriores trabajos en su pagina Web en el enlace de mas arriba.
Exploding Head es un disco completo en toda la extensión del término. Hay una gran dinámica entre sus temas, desde canciones que suenan al rock que Joy Division inmortalizara, ruido como el que nos presentaba The Jesus and Mary Chain en su Psychocandy, o montañas y barreras de ruido como las que creaba My Bloody Valentine en You Made Me Realise, todo sin perder la cohesión que te hace saber que se trata de la misma banda todo el tiempo. Con “It Is Nothing” la banda se presenta en su estado más animado, con baterías aceleradas, un bajo que establece la base de todo lo que hará la guitarra para crear atmósferas sobre las que la voz navega suavemente. El primer respiro viene con “Lost Feeling”, tercer track del álbum donde la banda toca lo que en su mundo sería una especie de balada, letras a veces cursis “I’m Dying to Meet You, I’m Dying to See You, I’m Dying to Hold You…” pero un sonido sacado de las profundidades del más olvidado club de Nueva York, las guitarras siguen ahí, el bajo y la batería te llevan por lo que suena a una mente retorcida sin quitar esa sensación de agresividad.
En lo personal mi tema favorito después de varias vueltas al álbum es “I Lived my Life to Stand in the Shadow of your Heart”. Es un tema rápido, directo, con un bajo distorsionado a tope, una línea rítmica que cambia mucho sin perder absolutamente nada de energía durante toda la canción y una sensación pop con ruido, como si la chica linda de la fiesta se volviera mala por un momento, y con un final que suena a que tu cabeza finalmente exploto. Exploding Head probablemente sea uno de los mejores discos del año.
New Found Land es una banda pop de Goteborg compuesta por Anna Roxenholt y Karl Krook. Como buenos suecos, el pop que practican es limpio y cristalino, bastante en la línea de Loney Dear, con quienes comparten esa manera lúgubre pero dulce de entender la música.
Discos como este We All Die probablemente haya miles: chicas con voces lánguidas acompañadas de una susurrante voz masculina y de guitarras sutiles. Pero New Found Land han conseguido crear unas cuantas melodías redondas en unas canciones agridulces y dar al disco la suficiente intensidad como para ser entretenido y mantener el interés hasta el final. Nada pretencioso, el disco tiene esa manera naïf de entender la tristeza, más de belleza melancólica que de amargura. No han inventado el pan, desde luego, pero el que hacen es mullido, calentito y está rico.
El disco se mueve siempre dentro de los parámetros del pop. Más intimista en temas como “It Would Mean The World To Me”, que abre el disco para embriagar con su sencillez y atrapar con esa base orgánica. O en la nana “By your side”. Y más expansivo y extrovertido en otras canciones como la juguetona “Leave it all behind”, uno de los momentos más destacables.
Además, se atreven con unos ritmos traídos directamente de la música celta en “Close to me”, una isla tribal dentro de la calidez del resto del álbum. Y se apoyan en el folk americano, por ejemplo en “Life’s in you sight” donde se recogen en voces crudas y rasgados de guitarra. Pero siempre utilizando con prudencia y gusto los recursos y alejándose de disonancias: con sutiles arreglos y una producción de un preciosismo casero.
Por supuesto que el disco no es un ejercicio de creatividad ni originalidad, y que se le puede tachar de ser tibio y poco arriesgado. Pero con este primer largo, New Found Glory dejan constancia de que saben hacer canciones y crear atmósferas. Y que tienen madera para tomar una de las muchas sendas que abren en este trabajo y dirigir por ella una carrera fructífera y gratificante.
Lamentos dramáticos, cantos desafortunados, tristeza infinita y canciones que se sitúan a medio camino entre un proto-jazz nada experimental y un folk al más puro estilo americano. eso es básicamente lo que nos vamos a encontrar en este trabajo de esta enigmática pareja que contiene catorce canciones en las que a veces canta él, a veces canta ella o a veces incluso los dos y que han grabado para el sello borne!, filial de acuarela afincado en castellón
mi and l’au, o lo que es lo mismo, la unión de la finlandesa mira anita y del francés laurent, un día coincidieron y desde el primer momento supieron que lo suyo estaba destinado al mundo de la música, a unir sus dos talentos y dejarse llevar por lo que viniera, y lo que vino ha sido un tanto dispar, desde grabar un disco a las órdenes del todopoderoso gurú michael gira hasta poner música para anuncios de chanel como se podrá ver el próximo mes de septiembre. han pasado cuatro años ya desde aquella unión y la mística por un lado y la casualidad por otro les han llevado hasta este good morning jokers
este nuevo trabajo del peculiar dúo fue compuesto en una fría cabaña perdida en el bosque en finlandia y grabado en un cálido estudio de la costa valenciana, lo que podría darnos a entender que tanto una cosa como la otra llenaron de matices esas composiciones en las que las voces frías y en ocasiones hasta fantasmales que pueblan estas canciones no entienden demasiado de lugares a la hora de expresar paisajes
algunos de los temas de este disco son ya evocadores desde los propios títulos (dance on my skin, spartan dance o vampire, por ejemplo) y en otros no hay que adentrarse demasiado para captar esa esencia enigmática que tiñe sus canciones de calidez y frialdad a la vez y en una primera escucha te dejas empapar de canciones como the pearl o transparent, los dos temas donde quizá la voz de mi está más lograda.
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Titiyo Jah es una artista sueca que emprendió su carrera en la música por persuasión de su media-hermana mayor, la diva Neneh Cherry, quien a finales de los ochenta la había arrastrado hasta un estudio en Londres, a modo de hacerla descubrir su vocación natural. El talento de Titiyo no pasaba desapercibido por miembro alguno de su familia, pero cayó en cuenta sólo después del experimento del cual la hizo objeto Cherry. De tal manera, nuestra artista inició su propio proyecto, para el cual contó con la ayuda de unos cuantos artífices. En 1989 su música formó parte de unas cuantas reseñas, y finalmente completó su álbum primero en 1990, el cual se llamó, obviamente, Titiyo.
A fuerza de importantes colaboraciones con artistas varios, lo mismo que por gracia de otros tantos que han sabido brindarle apoyo a lo largo de toda su trayectoria en la música, se explica cómo es que Titiyo aún, luego de casi una veintena de años, continúa registrando su nombre en diversas reseñas. Para el 2001 tenía editados cuatro álbumes que cargaban sobre sí el peso de tres premios grammys, por lo que la artista se permitió el excusado lujo de desaparecer por completo algunos años; igualmente, aunque supo perderse por un tiempo, procuró volver con un comprensible "Grande éxitos" en el 2006, disco que se convirtió en un largo interludio válido hasta la llegada de su quinto trabajo.
Hidden es lo nuevo y tan esperado de Titiyo, un álbum que pone bien en claro que su autora sigue tan habilidosa y diestra como siempre. Sin lugar a dudas, hasta se puede decir que la sueca va un poco más lejos en su carrera, siendo que además de cantar, por vez primera se adentra en la elaboración de su propia música, tomando el control de sintetizadores y demás artilugios de producción, de modo que su sonido se ve inflado de nuevos aires, irrumpiendo de forma más decidida en aquellos géneros antes explorados.
El pop que anteriormente se había visto arreglado con música negra o rock (esto según de qué trabajo se hable puntualmente), ahora se vincula mejor con el sonido electro; por momentos oscuro y en otros más luminoso, Hidden fue fruto inspirado por trabajos de artistas como Thom Yorke o Marit Bergman, dado que si bien exhibe pistas pop en clave trip hop o downtempo, las más de las veces prima el electro cargado de ecos que nos recuerdan a dichos artífices. La sueca realmente ha decidido poner manos a la obra, y se puede afirmar que tanta revolución tiene un desenlace consecuente, pues seguramente este nuevo álbum movilizará a más de uno…
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En la Promo viene incluida la canción : Crystal Clear Mud
" Gracias a la discográfica por mandarnos la Promo para la distribución en el blog "
Os dejo el tema " Crystal Clear Mud " + PROMO para DESCARGAR
En algún lugar cerca de la intersección de las raíces, el blues, Americana y el lado oscuro y primas de indie rock que encontrarás en la música del aclamado dúo de Minneapolis David Huckfelt y Benson Ramsey de los pinos.
El 11 de agosto su tercer álbum, Tremolo (Red House) - y el primero desde 2007 es alabado por la crítica gorriones en la Campana - Huckfelt Ramsey y salga de la notable hazaña de sonido, tanto de polvo plato tradicional y de vanguardia contemporánea, similar en muchos aspectos a la Trabajos más recientes de su colega de Minnesota Bob Dylan.
El acento Acoustic Blues, marcando trampa y canoso, voz ronca en temas tales como la carga política "dígame" o Ramsey balada "Hearts and Bones" tienen un sonido que un crítico describió como "espeluznante país noir" y Q llamado "suave como la seda , dark folk ... listo, ingenioso, vivo e inspirado. "Producido por el padre de Benson Bo Ramsey (Greg Brown, Lucinda Williams), Tremolo mantiene las raíces expuestas, pero nunca demasiado reverencial a las influencias, permitiendo que los pinos a la huelga su propio y distintivo acorde incluso en un par de bien elegidos, brillantemente realizado cubre: "Spider John Koerner de Patrón y su esposa" y "Mississippi John Hurt Spike Driver's Blues". Altamente recomendado.
"Al igual que las bandas de rock muy popular de antaño, los pinos de comandos al mismo tiempo la tradición y el momento ... No he oído una mejor banda en 2008." - Dave Marsh (Rolling Stone, The Village Voice).
A la primera escucha de "Like Angels 'me dice que las luces Screaming van a ser una de esas bandas que realmente captura el oído y se niegan a soltar hasta que han llenado con historias de hoy en día el estrés y la seducción.
Abridor de 'voltios' despierta con una descarga eléctrica de guitarras incisivas súper cargado y gruñendo, voz hosca que construir un poco más suave, pero igualmente impulsado coro. Es un gran comienzo para un disco muy prometedor y que es difícil vivir upto, pero la inyección inmediata de electro refrigerados que se 21st Century "es un golpe de genio, lo que demuestra que las luces son un acto Screaming versátil.
"Hola Mañana" tiene algunas letras muy raro que incluyen el uso intensivo de las palabras "fuck you", pero de alguna manera funciona como las carreras a través de algunas líneas vocales lame guitarra fresco que no sonaría fuera de lugar en un récord de los Chili Peppers, si no fueron impulsados por la percusión como enseña. 'Champagne Socialista presenta algunos mucho más elegante y duro letras de canciones con un mensaje muy politizado golpes en tus oídos durante un toque de tambor de militantes.
La mezcla de eco, voz carismática y fuerte alza de electro-beats mayor indie que recuerda es a menudo un poco del día moderno placebo, que no es malo. Canales La díscola, pop creciente de "Exit Wound" la misma tensión que la banda Molko, pero con un borde indie más convencional.
Hay algunas pistas un poco más mediocre como 'aire en un pulmón, que no logra realmente impresionar con su ritmo lánguido y piano brillante trabajo simplemente sentirse como un momento temporal de mediocres suave ubicado entre los mejores bateadores del álbum. La cancioncilla burbujeante 'Anymore "se siente un poco fuera de lugar para comenzar con lo que es un dulce, el número poco optimista, pero pronto crece en ti como una parte valiosa del álbum.
"Al igual que los ángeles" es un debut muy prometedor, lleno de temas interesantes y energético que son turbocompresor con guitarwork agudo. Los rockeros de Liverpool están definitivamente en su camino y han producido un álbum que ellos deben ganar un merecido atención.
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