Hace tres años debutamos con 'Beautiness' (2Fer Records, 2006), un disco producido por Ramiro Nieto (The Right Ons, Jet Lag) que nos permitió telonear a Gigolo Aunts en su gira de despedida. Después vinieron más conciertos, apariciones en radio y televisión, la elección de la canción 'Stopped Clocks' para una campaña publicitaria del diario El País, y otros méritos como ser uno de los 20 mejores discos del año según los lectores de la revista Rockdelux. En otoño de 2008, con la publicación del EP 'No Progress' –tres canciones nuevas y una versión del estándar ‘I'm Through with Love’–, anunciamos la grabación de 'Sophomore' (2Fer Records, 2009), un segundo disco que sería producido por Santi García en Ultramarinos Costa Brava (Sant Feliu de Guíxols).
Durante el mes de febrero de este año, y colaborando codo con codo con García, registramos las diez canciones que componen 'Sophomore', un disco que queríamos que sonase más oscuro, rotundo y básico, pero que conservara a la vez los ganchos melódicos de nuestro debut. A finales de marzo presentamos las nuevas canciones en el prestigioso South by Southwest (Austin, Texas), el mayor festival de rock del mundo. 'Sophomore' se publicará en septiembre, con portada del artista Luís Pérez y colaboraciones estelares de Ramón Rodríguez (The New Raemon, Madee), Xavi Lloses, Victor García y el propio Santi García.
Segundo trabajo de la banda madrileña, y confirmación de que no era flor de un día lo que ya presentaban hace un par de años en “Into The Engine”, también en su actual sello.
Cuando parece que la corriente actual es pasarse al downtempo cantado en castellano, el quinteto sigue apostando por las letras en inglés entonadas por la sugestiva voz de Jesús Vasallo al más puro estilo Stuart A. Staples (Tindersticks). El folk americano, el rock experimental y el pop preciosista se funden en diez temas en los que las guitarras se alzan como protagonistas de lujo. Acústicas y eléctricas, rasgadas o arpegiadas, en forma de solos o sumando capas, las guitarras de Inhabitants crean una atmósfera suave e hipnótica que respaldan a la ya mencionada voz, y que queda contrastada por los contundentes golpes rítmicos de batería y bajo y el toque ambient jazz de los teclados. Ocurre así desde el primer tema, “Walking On Ice”, y dicha atmósfera se agudiza en cortes más underground, como “The City”; o bien se vuelve más elegante y reposada (la aparición del piano ayuda a ello), como en “A Warmer Place” o “Drunk-o-rama”. Si escuchas a The Kingsbury Manx o a los ya mencionados Tindersticks, Inhabitants podrían completar una sesión de tarde en tu reproductor. Información sacada de : MONDOSONORO
El tercer disco en larga duración de Inhabitants tendrá por titulo “A time for giants” y ha sido grabado en directo en una única sesión de grabación en los míticos Estudios Brazil, en Madrid el día 6 de Abril de 2009. Producido por Javier Ferrás y grabado por Javier Ortiz, el disco verá la luz en Septiembre de este año, a través de Foehn Records.
En el año 2008 sacan el EP " We were One " que lo podeis descargar desde el blog - amigo " Los mundos de Fede ".
Debut en solitario del valenciano Guillermo Artés ( ex Kindergarten ), musico poco acomodaticio y cuya seña de identidad ha sido siempre la indomabilidad. Algo que se refleja en Apagón analógico, un Lp que disfruta de lo refrescante y sorprendente de seu forma de entender la música, pero que exige mucho al oyente, por lo huidizo, desnudo y esquivo de su propuesta. Uno de esos músicos que amas u odias, con un lenguaje único, que brilla especialmente en la luminosa Tú vales más o en la cruda versión de Señora. ( Manuel Alejandro ).
Tannhäuser son el segundo fichaje sevillano del sello Foehn para el 2009 y editan lo que es su álbum de presentación, después de darse a conocer el pasado año con un ep de cuatro temas. A pesar de su corta vida como banda y de tratarse de un primer disco, ‘Para Entonces Habrás Muerto’ (un título muy David Cordero, por cierto) sorprende a las primeras de cambio por su sonido preciso, rodado y compacto.
Sus canciones, una tras otra hasta las once que lo componen, suenan a post-rock por los cuatro costados. Afortunadamente, y siempre bajo el manto protector que da cobijo al rock instrumental de los últimos veinte años, los sevillanos saben bañar su discurso con gotitas de space-rock (12twelve en ‘Poseidonia’), bastante krautrock (la rítmica trotona y las guitarras circulares de Neu! en ‘Arkanoid’, los Manta Ray etapa Acuarela en la bautismal ‘Tannhäuser’), shoegaze planeador (los remansos de paz de ‘Temporal’ y ‘125’) y amagos free-jazz (de nuevo 12twelve a la altura de ‘Disturbio’). A destacar la soltura y naturalidad de cortes como ‘Ötzi’, por cómo trabajan y preparan cada atmósfera - y esas guitarras limpias tan Television, claro - y el crescendo de la final ‘Turmalina’, cima de su faceta más ambiental.
Así pues, ‘Para Entonces Habrás Muerto’ nos presenta a un cuarteto con buenas maneras y las cosas bien claras. Si ya han conseguido lo que han conseguido con este notable trabajo de debut, es de esperar que a poco que sepan darle un toque personal a su música, en principio su gran tara, ésta ganará muchos enteros.
La música de Pablo Ager desafía toda clasificación. Tiene una buena parte de rock norteamericano clásico, algo de canción de autor y mucho de reflejo de su propia personalidad. Letras inteligentes y melodías que perduran forman parte de un estilo propio, que ya se puso de manifiesto en su anterior disco, Durmiendo en azoteas, que contó con la colaboración de Marwan, Luis Ramiro y Jorge Marazu, entre otros.
Su manera de ver la vida tamiza las pequeñas historias urbanas, la soledad, el amor, para darles cuerpo en canciones personales y en muchas ocasiones, conmovedoras. Capaz de moverse entre el formato acústico y el sonido más rockero, entre la guitarra y el piano, sus canciones son mundos en los que adentrarse para hacerlos un poco nuestros, suyos, de cada uno.
Probablemente ese sea el punto fuerte del joven artista madrileño: la capacidad de poner en letras y música tantos sentimientos. De expresar lo que muchas veces se siente pero queda sin decir. De transmitir emociones, en definitiva.
Pablo Ager (Madrid, 8 Julio 1983), joven intérprete de la llamada «canción de autor». Discos: «Punto de partida» (2004) y «Durmiendo en azoteas» (2006).
En abril de 2008 saca «Incierta memoria», con temas como Miss Utopía, donde cuenta con la colaboración de Dani Flaco, productor junto con Xabi Ibáñez de dicho disco.
" Nuevamente dar las gracias a gente como Pablo por mandarnos su trabajo y que desde el blog podamos compartirlo gratis, el trabajo que tanto les ha costado hacer, mucha Suerte, Pablo ¡ ¡ "
Os dejo el Temazo " Orgasmo Universal " + CD para DESCARGAR
Este futbolístico verano nos trae una propuesta bien fresquita. Nagasaqui son un dúo multiinstrumentista (Álvaro Tello toca los teclados, batería, guitarra y programaciones, y Pedro Camacho el bajo y la guitarra) que se dan a conocer con un ecléctico álbum de debut. Once temas-once jugadores, muy diferentes entre sí, pero que comparten un sonido muy pulido y una producción perfeccionista. En el disco se alternan temas con un espíritu festivo, alegre, con otros de un tono claramente pesimista. Cierto sentimiento amargo se desliza sin coartadas en temas como “No garantizo que Vaya a Salir” (quizás el corte más flojo, el delantero no acaba de cuajar), o, sobre todo, en “Me Canso de Mi” y “El Año que Entendí el Invierno”.
Vamos a destacar a los mejores titulares del encuentro, una selección que ni Luis Aragonés; con el 1 a la espalda; “Vivir al Por Mayor”. Sonido y voz chuchesca (del Alfaro de Tejido de Felicidad), con su ensalada de loops, sus teclados y apología vital. Pop bien facturado, palmaditas groovies incluidas. 2; El dandy; “A los que Tienen el Dinero”; dejamos de bailar para pasar a balancearnos al ritmo de este buen tema, con una metafórica letra muy inspirada; “a los que tienen el dinero hay que enseñarles a morir”. No se lo tomen de forma literal. 5; “Vuelve Ciudad Jardín”; refiriéndose al grupo ochentero formado por Rodrigo Lorenzo y Eugenio Haro Ibars traza una fábula sobre la vuelta del conjunto, ante el alborozo de Calamaro y la erección de Los Ronaldos. Acertada y ácida visión del regreso al futuro de los supervivientes de la Movida. El 7; el crack; me siento muy identificado con el título de la canción. Y con el contenido. “Gilipollas” es el mejor del encuentro. Un fantástico corte con una letra inmejorable y un sonido que me recuerda a la psicodelia de Oasis en su Standing on the Shoulder of Giants. 10; “Los Payasos del Circo”, divertido tema instrumental, que siempre se agradece, sobre todo cuando lo que viene después es “El Año que Entendí el Invierno”, un tema de bajona total.
A pesar de este final tan alejado del happy ending hollywoodiense, hay que recomendar este disco, porque lo que se nos propone es un grupo de pop adulto, que hacen canciones redondas que van desde la felicidad más tonta y bailable hasta la tristeza más cruda. Pero todo ello bien hecho. Puede ser el disco que escuches en el 2017 y te recuerde aquel verano del 2008. Pronostico un buen futuro para Nagasaqui (vaya, como suena esa frase…)
Muchos lo han tachado de aburrido y nada propositito, otros lo han puesto como algo sobresaliente en cuanto a nuevas producciones musicales se refiere. Las opiniones son diversas, pero en mi opinión Metric siempre tendrá recursos para crear algo nuevo de calidad; esto en gran parte a Emily Haines, nunca está quieta y prueba con nuevos sonidos en cada uno de sus proyectos. Aquí los temas van cambiando a la par de la voz de la cantante, es decir, da la impresión de que Haines trata de no mostrar el mismo tono plano para todos los temas.
La selección es variable, hay canciones prendidas (”Satellite Mind”) y otras un poco más soft (”Collect Call”). Al escuchar el disco de repente te pueden sonar muy pop rock, pero después te cambian la jugada con secuencias y arreglos muy al estilo indie rock y hasta de inspiración punk.
El cambio en las letras también es muy claro en este trabajo, ahora ya no son tanto enfocadas a la crítica y a ese lado un poco melancólico que caracterizaba a la banda, ahora son felices y hasta el amor les da pie a inspirarse como lo muestran en el track “Stadium Love”.
Son 10 temas que tal vez no tengan un buen orden, es lo único que no es acertado, pero que transmiten cierta madurez para permitirse sonar diferente y, como su nombre lo dice, fantasear con un sonido más inclinado al pop que al new wave.
El disco fue producido por James Shaw de Broken Social Scene, quien de hecho es el cofundador de Metric junto con Emily Haines, y lo grabaron en el Electric Lady Studios de New York.
Aqui os dejo el Remix de la canción " Alli donde soliamos gritar " hecha por Dj Amable y Dj Niño en calidad muy buena... A disfrutarla ( Ya me direis que os aparecido ).
Sundae somos un grupo de música. Bueno, a día de hoy Sundae somos un dúo, y lo formamos Cristobal y yo mismo, Davis. Pero esto no fue siempre así. Voy a tomarme unos minutos para hacer un poco de memoria de cómo llegué a Sundae y en qué punto nos encontramos ahora mismo. No prometo precisión.
Recuerdo que ya por 2005, Cris buscaba nombre y componentes para un nuevo grupo por fotolog. Así que supuse que Shizuka (mi grupo favorito de la verdadera escena sevillana que formaban junto a La Chufa Lisérgica y Ender) estaba completamente terminado como proyecto pese a los conciertos que habían dado sin los cantantes Pablo y Aída. Ese mismo verano de ese año, Sundae (¡ya tenían nombre!) daban su primer concierto, pero yo estaba de vacaciones en París y no estuve allí. Solo sé que en ese momento Sundae lo formaban seguro Cris, Raúl y Juanlu (Trisfe) y que pasaron mucho calor. Cris cantó algunas canciones (con las letras sin terminar e improvisando) y Raúl cantó otra (como ya hacía en los últimos de Shizuka). Creo que no quedaron muy contentos con el resultado, aunque más adelante yo escucharía una grabación que me pareció bastante chula.
Mientras tanto, mi relación con la música era bastante casera y underground, limitándose a grupillos con amigos que grababan cositas muy rudimentarias: Sofá de Escay, Consuelo de Tontos, Mila… Incluso en algún momento frecuenté mucho el local de ensayo de los primerizos Blacanova en calidad de animador. De todo esto hay grabaciones y pruebas en forma de canción. Esperemos que queden ocultas.
En algún momento de ¿2005? le propuse a mi hermano (el genio en la sombra) hacer una versión de Field Mice para un recopilatorio de versiones que Cris estaba montando para su propio futuro sello Bubbletone. Grabamos between hello and goodbye: una sencilla pero bonita base electrónica, mi hermano con guitarra acústica, y yo a la voz (con algún corito de mi hermano) Todo muy rudimentario y lo-fi, pero a nosotros nos encantaba. Se la mandamos a Cris, y aunque yo pensaba que no le gustaría nada no fue así: le gustó y mucho. Poco tiempo despues Cris me propone cantar en Sundae. Field Mice tiene la culpa.
¿Estas seguro Cris? ¿Me has oido cantar? Yo estaba en una nube por formar parte de Sundae, pero al mismo tiempo tenía mil dudas sobre si sabría hacerlo bien. Pensaba que en algún momento descubrirían que era un impostor y que me echarían y me daba pánico cantar delante de ellos.
Cris me fue pasando canciones, demos, instrumentales, y sobre eso yo fui construyendo las primeras letras y melodías. Mil Canciones es la primera letra que yo hice y de las pocas que tocábamos completa en las primeras sesiones de Sundae (con Cris a la guitarra, Juanlu al bajo, Raul a la guitarra, Valentín a la batería y yo cantando) Despues Valentín se fue y ensayamos otras cuantas veces con Edu (Trisfe) en su lugar. Arte y ensayo va tomando forma en esas sesiones. Finalmente Edu abandona la formación y es cuando decidimos que vamos a tocar sin batería y con bases pregrabadas.
Ya con los 4 de Sundae es cuando empezamos a ensayar más, a preparar algún directo y a terminar casi todas las canciones de la primera maqueta. En 2008 estamos bastante activos, tenemos nuestras primeras grabaciones, quedamos entre los seleccionados del concurso de maquetas del contempopranea, hacemos un par de conciertos que quedan muy bien, y se sigue componiendo. Lentos pero seguros. Pero es entonces cuando las obligaciones de Juanlu y Raúl hacen que abandonen Sundae. Raúl está muy centrado en la grabación del primer disco de su grupo Tannhäuser, y Juanlu tiene poco tiempo y está más centrado en Úrsula (junto a David Cordero). Cristobal y yo nos quedamos solos.
En esta nueva dinámica de dos es donde estamos ahora, Cris es un genio y lo toca todo (guitarras, teclados, programación, ideas: TODO) y yo hago las letras, las melodías, aporto pequeñas ideas e incluso pequeñas demos. En el mes de febrero grabamos nuestra segunda maqueta (con la colaboración de Raúl en un par de canciones) e incluimos Verano-Invierno, que ya es de los temas totalmente nuevo hechos entre los dos. Tenemos muy claro que de momento Sundae nos vamos a quedar así (dos), y que funcionamos muy bien a la hora de trabajar en el estudio. Pero tambien sabemos que para el directo no vamos a estar completamente solos y que algún amigo nos va a echar una mano en trasladar las nuevas canciones y los nuevos arreglos al escenario.
Como empezó todo? Nací en Barcelona un 7 de julio del 86. Ya desde muy niño que ya andaba peleando con la guitarra que me regalo mi abuelo, pasaba tardes con él aporreándola, recortando tarjetas de crédito de mis padres para "construir" improvisadas púas, tras descartar el tocar con monedas de 5 duros. A los 10 años, a la par que descubría que las púas ya las venden hechas en las tiendas de música, llegó a mis manos una guitarra acústica para navidad. Me apunté a clases de guitarra.... y no dure demasiado, me gustaba más tocar lo que quería, cuando quería y como quería.
Así que con lo que aprendí y con una recién llegada guitarra eléctrica, empece a dar mis propios pasos con la guitarra a cuestas. Pase por varias bandas, generalmente de rock y fui creciendo escuchando desde Metallica y Guns n Roses, hasta Radiohead o Coldplay. Hace ya algún tiempo empecé a escribir canciones, que no tenían lugar en los grupos en los que estaba, eran demasiado.... demasiado mías, así que decidí separarlas del "ruido" de los locales de ensayo, y pasearlas por los rincones de mi habitación y por los oídos de algún que otro amigo que se prestaba a escuchar. Fue así como empece a cantar mis canciones y fue así como empece a escuchar artistas que ahora forman parte de mi santo grial, como Quique Gonzalez, Jorge Drexler, Damien Rice o Johnny Cash. Las canciones nacían pero no llegaban nunca a sonar en ningún escenario. Hasta un domingo de agosto de 2008 que decidí dar mi primer concierto con la única compañía de mi guitarra.
Y de ahí hasta hoy, parece que por una vez mi insistencia y mi “cabezoneria” están dando sus frutos, es decir, un montón de escenarios tanto en mi ciudad como lejos de ella que ni tan siquiera pasaba por mi cabeza pisarlos, un montón de amigos nuevos, de artistas a los que admirar, de experiencias, un puñado de canciones, una banda como “La Legendaria Familia Stinson” que me acompaña cuando se puede y un nuevo EP llamado “Circular” donde podéis ver mi evolución en este primer año.
Zürych Quinteto lanzaroteño formado por Ane Fernández (guitarra solista), Carlos Toledo (bajo), Juanje Luzardo (teclas), Rubén Padrón (batería) y Carlos Ortega (voz y guitarra rítmica). Zurych nace como un proyecto personal (Carlos Ortega). Pronto ve la luz su primer álbum “last-call” En 2006 Zurych se consolida como una banda y comienza la preparación de su segundo trabajo “El viaje de la memoria”.
Dos de sus temas han sido elegidos para formar parte de la B.S.O. del largometraje “Vida y color” (Santiago Tabernero”) junto a otros artistas como “Deluxe” o “Matew Hervert”. Varios temas del disco han sido escogidos para sonar en la serie de antena3 “700 euros”.
La presentación del video clip del nuevo single “Estrellas” corrio a cargo de Joan Valverdu, considerado uno de los mejores directores de videoclips del pais y que entre otros ha trabajado para: Julieta Venegas, Bebe o Sexy Sadie… la gira de conciertos del "viaje de la memoria" llevo a zurych a tocar en todas las grandes ciudades: Madrid, Barcelona, Valencia, Zaragoza, Bilbao… zurych se encuentra en estos momentos terminando su tercer trabajo y preparando su nueva gira.
En la PROMO vienen incluidas las canciones : Vamos, y Something to Rely ( El nuevo album de Zürych estara disponible para Diciembre de 2009 )
Gracias al Grupo Zürych por ponerse en contacto con el blog, cedernos las canciones y que desde aqui podamos ofreceros este adelanto... Mucha Suerte ¡ ¡ ¡
Os dejo el tema " Something to Rely " + PROMO para DESCARGAR
Ya no se lo puede anunciar como "el secreto mejor guardado de...": el músico, cantante, poeta y compositor argentino Pablo Dacal se perfila con claridad como una de las voces más notables de una nueva generación llamada a aportar algo propio y nuevo a la historia de la canción que en Argentina cuenta entre las generaciones más recientes con grandes autores como León Gieco, Spinetta, Charly García, Fito Páez o Andrés Calamaro.
En julio 2009 se publica en Europa su álbum "La Era del Sonido", cuyo repertorio es presentado en gira (España, Francia, Alemania) de septiembre a noviembre. Su particular propuesta, con una estética a la vez retro y moderna, melancólica y divertida, cobra forma a través de brillantes canciones que cuentan, sobre ritmos de la música popular latinoamericana y envueltas en un cierto aire francés, historias trágicas, cómicas y románticas, fruto de la imaginación de un espíritu indisimuladamente bohemio.
Terminados sus años más rockeros como integrante de los Killer Burritos a finales de los 90, Dacal buscó y encontró un nuevo sonido cuando decidió reemplazar el formato convencional de una banda de rock por una Orquesta de Salón, compuesta por instrumentos habitualmente identificados con la música académica, en una decisión que marcó un cambio radical en su trayectoria.
Así, puso su experiencia acumulada como compositor de música para teatro al servicio de una puesta en escena de sus propias canciones, y las de referentes indiscutidos en su obra, como Georges Brassens o Enrique Santos Discépolo -eterna fuente de inspiración para la ironía hecha canción-, en el repertorio de su primer LP como solista con orquesta, "13 Grandes Éxitos" (2005).
En 2008 publica "La Era del Sonido" y recibe entusiastas comentarios de la prensa, canta ante un público cada vez más numeroso y encuentra socios y colaboradores entre sus colegas artistas, músicos, actores y cineastas. Como resultado de esta comunión destacan sus recientes actuaciones como invitado especial de Fito Páez, así como las participaciones de éste en la edición europea de la canción "El muelle de las brumas" o la de Xoel López (ex-Deluxe) en la fabulosa "Ella está en la playa", al igual que los conciertos en los que el repertorio del disco fue interpretado por buena parte de la nueva generación de cantautores del Río de la Plata (Lisandro Aristimuño, Rosal, Dani Umpi, Martín Buscaglia, etc.).
Dentro del mismo contexto cabe mencionar la realización de una serie de videoclips que representan "La Era del Sonido en Imágenes", a cargo de jóvenes directores argentinos.
Willy Naves nos presenta "La Casa de la Playa" EP (2009), su primer trabajo de estudio. Tras un año y medio desde que anunciara su proyecto en solitario y después de haber presentado su directo en numerosas salas.
La producción del EP a corrido a cargo de Sergio Sastre (Miss Caffeína) y la dirección vocal por Zahara.
"La Casa de la Playa" es un EP de 6 canciones, una clara declaración de intenciones donde podemos disfrutar de la esencia de sus melodías y sensaciones. Pop fresco, emotivo, canciones que te hacen esbozar una sonrisa.
Apostando por una nueva forma de industria discográfica, pone de forma gratuita su EP en la red a través de su web willynaves.com en descarga directa.
Podremos ver a Willy Naves junto a "Las Nubes Eléctricas" (banda habitual que le acompaña) en una gira por las principales capitales de provincia, que empezará en Otoño.
Supersubmarina es una banda formada por cuatro amigos “obsesionados con la música” que hace apenas un año, después de participar en distintas formaciones iniciaron un proyecto musical que puede describirse como pop/rock con influencias del indie noise y power pop. Un grupo que llega de Baeza (Jaén) y que aparece con un lanzamiento como los de antes, clásico en la música anglosajona: Supersubmarina publica dos EP antes de lanzar su primer álbum, mientras realiza una gira por toda España para dar a conocer su música de alto voltaje, música inclasificable, enérgica e insólita. Aire nuevo para la escena española.
“Siempre hemos compuesto nuestras canciones” dice Supersubmarina. “Normalmente José lleva una idea y los demás aportan lo suyo en el local de ensayo. Hasta que no estamos todos de acuerdo, no se toca en directo”. Un directo que Supersubmarina ya ha llevado por toda España, con conciertos en Madrid, Barcelona, Sevilla, Valencia compartiendo escenario con artistas de la talla de Iván Ferreiro, Russian Red, Marlango, Lori Meyers o Vetusta Morla.
Tras su primer EP (Cientocero) se publica el segundo (de título Supersubmarina) con cuatro canciones que marcarán un antes y un después en la carrera de la banda gracias al apoyo de un excepcional videoclip de la canción Supersubmarina, que se sale de la norma. Dirigido por Chino (Najwa Nimri, Christina Rosenvinge...) y realizado por Blur Producciones, se ha rodado en Sofía (Bulgaria) con actores búlgaros, estética de cortometraje y es una de las propuestas más imaginativas y de mayor calado artístico de la música española actual. Supersubmarina no se ajusta a moldes. Los crea nuevos. Supersubmarina es la nueva banda que emerge.
Información sacada de : OCTUBREMUSIC SUMYSPACE ( Podeis comprar los 2 EP en su myspace )
Podeis descargar el 1º EP desde el blog en este ENLACE
El EP 2.0 consta de 4 canciones :
1. Supersubmarina ( Incluida en la PRomO ) 2. Ana 3. Ola de calori 4. OCB
Os dejo el tema " Supersubmarina " + Single para DESCARGAR
Con Gillian Welch en paradero desconocido y Jolie Holland saboreando las mieles del triunfo con “The Living And The Dead”, empezábamos a echar en falta otro vértice para colmar nuestras necesidades.
Y Eilen Jewell ha resultado ser la candidata perfecta para recoger el testigo y ocupar ese puesto. Con dos discos ya a las espaldas (a destacar sobre todo el majestuoso (“Letters From Sinners & Strangers”), todo apunta a que “Sea Of Tears” será el disco de su consagración. Con el folk en primer plano y enriqueciendo sus preciosas canciones con jazz, blues o country, “Sea Of Tears” alegrará las existencias de quienes disfrutan con el fraseo y el timbre de Lucinda Williams (“Fading Memory” es un ejemplo claro). “Rain Roll In” es la pieza en la que la cantante de Massachussetts demuestra que su voz ha madurado y que ahora consigue registros a los que no nos tenía acostumbrados. Y no podemos pasar por alto temas tan arrebatadores como el que da nombre al trabajo o “Nowhere In No Time”.
El espíritu de Nueva Orleans revolotea con clase sobre algunas de sus composiciones, así como refleja la arenosa realidad de la música nacida en el desierto de Arizona. También queda lugar para el rockabilly con su versión de “Shakin’ All Over” –escrita por Johnny Kidd- (también reinterpreta con atino temas de Loretta Lynn y Them). Una oportunidad excelente para disfrutar de la excelsa música de Eilen Jewell.
Corría el año 1994 cuando el sello Virgin editaba en su serie de música ambiental el cuarto y último volumen, bajo la enigmática etiqueta de ‘Ambient 4: Isolationism’. En sus capítulos anteriores, algunos de los clásicos de la música para aeropuertos, básicamente los artistas en nómina del label inglés, habían moldeado unos discos bastante obvios pero con piezas ineludibles: desde diversas apariciones del mismo Brian Eno y amigos, pasando por planeadores de la talla de Tangerine Dream, Hawkwind o Gong. Con esta última recopilación, se daba a conocer el lado más duro del género, distanciándose así del estándar contemporáneo impuesto por proyectos como The Orb, The KLF o The Future Sound of London y dando el testigo a grupos experimentales, post-rock mayoritariamente, poco dados a las concesiones.
‘Mejor Seguir Al Silencio’, cuarto salto al vacío (el más temerario hasta la fecha) de David Cordero, parece seguir, ya desde la portada, esa máxima de introspección, de entornos lunares, desérticos y solitarios que guio las carreras de Main, Labradford o Scorn y algunos momentos puntuales de las de Disco Inferno o Seefeel, todos integrantes del doble disco que, por significativo de un modo de hacer (prefiero de largo sus álbumes) nos ha servido de introducción. Sí, no sólo de Stars Of The Lid vive el drone ambient… y tampoco Úrsula, definitivamente con tilde.
Entrando en materia, la vuelta del ahora dúo al sello que editó sus dos primeros trabajos viene precedida por alguna que otra pista del camino que iban a tomar. Ciertos temas de su cd ‘Autoayuda Emocional’ (2005, Lejos Discos) y sobre todo el ep para Moonpalace del año pasado, ‘Cuando No Hay Nada Que Decir’, ya miraban a una música pausada y descriptiva, volcada en la composición de paisajes más que de canciones. Con un artwork de Monika Herodotou, primo hermano (ya no sólo en diseño, también en contenido) del que la jefa de Lampse hizo para el ‘Le Fumeur De Ciel’ de Julien Neto, el nuevo largo de Úrsula se abre con ‘Puedo Y No Quiero’ (verán que en cuestión de títulos nada ha cambiado). Tras arrancar con un motivo melódico a lo Boards Of Canada y una tímida rítmica a base de micro-sonidos, el corte se ve envuelto en un oleaje de capas de guitarras y notas de piano.
La voz, en esta ocasión casi testimonial -sólo tres cortes- acude a la conocida temática derrotista (corta venas para los más sensacionalistas) del andaluz. Eso sí, cuando lo hace, no se va por las ramas: tremenda ‘Fuerza Mayor’, la más pop del lote. Pop con todas las comillas que se les ocurran, claro. El delay infinito a las seis cuerdas y el imprescindible trabajo de bajura que recorre el disco (ritmos en segundo plano y unos bajos que son casi media composición) convierten a ‘Detalles Sin Importancia’ y ‘De Perdidos Al Río’ en pequeñas sinfonías para un mañana mejor. Tres cuartos de lo mismo en el neoclasicismo (Arvo Pärt) de las muy Stars Of The Lid ‘Maravilloso Miedo’ y ‘Desviaciones Morales’. La coda rugosa que la cierra marca la diferencia en ‘La Minoría Silenciosa’: su acabado ruidista, menos pulido, apunta al modus operandi del ambient post de los noventa. ‘A La Mañana Siguiente’, apenas adornado, hace las veces de adiós con su vaivén sonoro. En esencia, no anda demasiado alejado del Brian Eno de los primeros ochenta.
‘Mejor seguir al silencio’ es una obra cómplice de conclusiones precipitadas y erróneas. Es en su profundidad (recomendable volumen alto) y hermetismo donde se halla la clave para romper esa barrera inicial, predisposición lo llaman, y disfrutar de lo que podríamos bautizar como paisajismo emocional.
Cualquier segundo trabajo supone una prueba de fuego para una banda. Pero en este caso la presión era máxima. No sólo por el cambio de escudería (ahora forman parte de la recién estrenada Pim Pam Pum Records), sino también por este largo periodo de stand by. Más de dos años de silencio preceden este Vuelve a por mí, el segundo trabajo discográfico de el cuarteto mallorquín Amarillo. Fue en 2005 cuando debutaban con Piruetas en el aire, un disco fresco, vital y lleno de energía pop. Y fueron muchos los que se rindieron a sus melodías sencillas y directas. Pero estos chicos vuelven ahora con más fuerza que nunca, con 14 temas que recuperan el espíritu de su disco de debut: las primeras canciones postadolescentes, el amor y el desamor, las melodías sinceras.
Es bien cierto que Amarillo no han inventado la Coca-cola. Que entre líneas se pueden encontrar muchos grupos del boom indie de los 90, que sus referencias son claras y que su sonido no es innovador. Pero eso no tiene porqué ser malo. Porque se sirven de ese trampolín para construir canciones pop tan perfectas como “Lejos de casa”. Porque está bien que vuelva el “parapapa” al más viejo estilo. Porque “Célebres huracanes” es un temazo. Y lo son también “Santa Rita”o “Bombas nucleares”.
Un disco sincero y sencillo, que gana con las escuchas y que cuenta con el valor añadido de saber con certeza que estos chicos creen en lo que hacen. Y eso se agradece a estas alturas. Auténtico y sin pretensiones, ni más ni menos. Progresan adecuadamente.
“Dicen que las comparaciones son odiosas, pero... ¿Que pasa si mezclas a Klaxons con Jimmy Hendrix, o a Mando Diao con The Mars Volta? Pues que obtendrías un cocktail muy explosivo de donde se dice podrian haber bebido los inquietos SPEAKER CABINETS. Este grupo de Barcelona toma sus raíces en la psicodélia y el rock progresivo de los 60 para hacerlas crecer hoy en día sin perder de vista ni un solo minuto la música bailable y directa, y siempre con sus conciertos potentes y festivos que no te dejaran indiferente. Pocas bandas gozan de un directo que haga justicia a estas palabras."
En este caso nos presentan 6 de sus canciones bien grabaditas en su esperado primer EP!!! Ademas de las canciones encontrareis las letras y unas fotos de la banda! Disfrutenlo!!! Y dejense llevar!!
¡ATENCION!: Se recomienda reproducir las canciones a un buen volumen!! ;)
Cuatro años después de Skyline Society, Major Deluxe nos presentan Something Ends Here, su segundo álbum. Esta vez han estado buscando el equilibrio entre letras sombrías y arreglos luminosos. En un deseo de los belgas de crear canciones bellas, su líder Sébastien coge el rompehielos de la ilustración de la portada, y se embarca a buscar nuevos paisajes. Durante todo el disco planea la sombra de un sonido francés al más puro estilo Bertrand Burgalat.
El número de instrumentos se ha incrementado, con unos arreglos de cuerda y viento deliciosos (“The Birdwatcher”). “Departure Song” incluye coros celestiales y un estribillo que fluye entre guitarras, trompetas y xilófonos. Pop planeante, con arreglos my dulces y cuidados, con la trompeta de Ludovic Bouteligier dando matices a là Bacharach. Después ellos se estiran a tocar el xilófono durante un paseo campestre, o se tiran en la cama a mirar pájaros por la ventana, por ello la etiqueta “chamber pop” les queda pequeña. En algunos momentos pecan de dormirse en los laureles bajando demasiado la intensidad de las canciones y sacrificando la negrura de la letra (“Back to Normal”). También otras composiciones del disco son demasiado elaboradas y se atascan entre arreglos jazzies, resultando demasiado pulcras.
Nueve obras componen "La Nuit Subatomique", nuevo trabajo del valenciano Néstor Mir, en el que sigue con ese folk pop amable trufado de referencias a la chanson francesa y al pop europeo, cantado en francés como bella excentricidad.
Empieza el disco con uno de los platos fuertes, Ces hommes intouchables, estraña historia de ahogados que se alejan entre las olas llevada dulcemente por las guitarras de Àlex Badía, para saltar en Porquoi t'es tuot seul? a la soledad y los miedos, donde por el idioma se podría rastrear a Dominique A vía Neil Young, al igual que en la preciosa La vals de Morfini, donde Mir se acompaña de la acústica, un ritmo de vals y un coro femenino para lograr uno de los ambientes terrosos más logrados de "La Nuit Subatomique".
El disco sigue por terrenos de rock clásico, a ratos fronterizo, a veces demasiado uniforme, y casi siempre intenso, en donde en el corte octavo encontramos lo mejor del disco, Rita Berger, blues cantada a dúo con Carolina Otero, que sirve de perfecto contrapunto a la voz de Néstor, y a la guitarra alambicada de Pablo Riñón.
Rechazando audiencias mayores al cantar en francés, Néstor Mir y Las Potencias del Este nos enseñan en "La Nuit Subatomique" un camino que no por estar trillado deja de ser interesante, con paisajes bien construidos e interpretados y alguna canción realmente preciosa.
Muy en la onda de Los Bunkers, Zoé, Los Cóncorde y hasta Soda Stereo, se introduce en la escena indie esta banda puertorriqueña que, valga el juego de palabras, es Similar.
Ariel Hernández y Daniel Vicente son los responsables del sonido de Similar. El par se conoció en una agencia de mercadeo de Puerto Rico y tras descubrir que lo suyo era más la onda musical, decidieron emprender este proyecto que finalmente lanza como resultado su primer EP.
¿Qué podría esperarse de la creatividad musical de un diseñador gráfico compartiendo ideas con un programador? La respuesta a esta pregunta no es menos que el sonido cargado pero sutil de Similar, dúo de música indie pop rock creado en el 2008 por Ariel Hérnandez Domenech (AHD/Chuck Gnoider [junto con Jorge Castro]/Introdujos) y Daniel Vicente (Pasajero), quienes recientemente publicaron su primer EP. Esta banda, como parte de las corrientes musicales que se escuchan hoy día, presenta composiciones enérgicas y poderosas con la diferencia que las mismas fueron creadas meticulosamente y publicadas cuando el proyecto estuvo listo en su totalidad.
Primero compañeros de trabajo y luego amigos, Similar surge de la colaboración de ambos artistas. "Había escuchado Pasajero, el proyecto de Daniel, y lo invité a hacer un proyecto conmigo. Tenía algunas ideas sin realizar, y luego de algunas reuniones decidimos trabajar en un proyecto. Comenzamos a trabajar entre marzo y mayo del pasado año", señaló Ariel, mientras Daniel comentó que aunque sus influencias no son del todo iguales, se entendieron bien y tuvieron la misma manera de pensar con respecto a la musica. "Pensé que sería interesante ver que salía de la colaboración", acotó. Comenzaron considerando formar una banda de estudio, pero luego, mientras avanzaba el proyecto, descubrieron que la música era suficientemente interesante como para presentarla en vivo.
Respecto al nombre de la banda, ambos aseguraron que estaban en búsqueda de un nombre simple y corto, que funcionara tanto en inglés como en español, y así, luego de trabajar durante seis meses, "similar" resultó ser la mejor opción.
Contrario a muchas otras bandas, Similar no intenta responder a una propuesta definida o fija. "Es música con el fin de ser buena música, nada complicado", reaccionó Daniel, "...no hay mensajes escondido detras de los mp3s".
Las composiciones musicales de Similar, aunque claramente presentan influencias de fusión de géneros y grupos musicales, son particularmente distintas entre sí. "La intensidad y el contraste entre lo 'callado' y 'ruidoso' son parte importante de la banda. A fanáticos de la combinación de melodía y distorción les llamará la atención nuestro sonido", mencionó Daniel. Mientras Ariel hizo énfasis en señalar que el dúo trabaja diferentes texturas en cada canción, y que Similar es una banda de guitarras. "Por el momento es el único elemento en particular que tiene un papel protagónico en lo que hacemos", informó.
Actualmente Similar se enfoca en distribuir el EP homónimo compuesto por cinco temas, y luego trabajarán otras ideas para publicar un disco de larga duración. "Tenemos bastante trabajo ahora mismo y no tenemos planes concretos a largo plazo. Por ahora regalaremos el EP en la web, tocaremos en vivo con bandas que respetamos, y luego desifraremos nuestro próximo paso con el disco de larga duración", señaló Daniel, quien contribuye con voz, guitarra, bajo y secuencia.
Cuando, más en broma que otra cosa, les pregunté acerca de con cuáles músicos vivos o muertos quisieran colaborar, Ariel Hernández contestó con un severo "WHATEVER", mientras que Daniel afirmó que les interesa colaborar con bandas, artistas y productores para crear eventos buenos y diferentes. "Musicalmente no estamos buscando colaborar por el momento", reaccionó.
Definitivamente Similar es una de esas bandas a las cuales hay que estar al pendiente, pues no siempre se unen dos o más para crear música de calidad, cualidad que aunque se encuentra en muchas bandas locales, no sobra.
Similar son Ariel Hernández Domenech: bajo, guitarra y Daniel Vicente: voz, bajo, guitarra y secuencia. En vivo: Daniel Sierra: batería Ruben González: bajo
Oníric es el proyecto oficial de María Rodés, a quien podríamos definir informalmente como líder de la banda. María es quien compone, pero la acompañan cuatro músicos más: Oriol Grau, Tomás García, Nacho y Fanny. Aunque cabría hacer una mención especial para Andy Pool (Freud Quiere Bailar), quien pese a no estar ya en la banda fue quien animó a María a darle cara y ojos al material que llevaba tiempo componiendo en su habitación.
Todo ese material, acumulado durante tiempo, es el que se recoge en “Sin técnica”: once canciones de poco más de tres minutos que construyen un disco corto pero intenso. En apenas veintiocho minutos, Oniric concentran multitud de ideas convertidas en una música que crece a partir del concepto folk de autor (“Culpa” o “Atrapado” son claros ejemplos), pero que también incluye detalles de blues (“The Wild Girl”), pinceladas bossa nova (“Busy”, “Lies”) o incluso jazz (en el tema que da título al disco, María adapta el standard “Summertime” de George Gershwin). En todo caso, quede claro que el título engaña, puesto que si de algo anda sobrado este trabajo es de eso, de técnica y calidad.
Gracias a Danih tenemos este EP, de Christina Rosenvinge que se regalaba para las primeras 200 personas que entraban a sus conciertos, muchos asiduos al blog me lo habiais pedido y aqui lo teneis en una calidad 128 Kbps, que se escucha bastante bien....a disfrutarlo.
Deolinda es desde hace unos tres meses la sensación en Portugal. Más o menos la misma situación que se vivió hace veinte años con Madredeus. Palabras mayores si pensamos que, en aspectos musicales, nuestros vecinos no tienen que envidiarnos prestigio o excelencia. Sobre todo en músicas que beben de la tradición, y Deolinda bebe de toda la tradición y se refresca en ella.
Parece mentira, al escuchar el disco, que únicamente tres instrumentistas den cuerpo a unas canciones cargadas de cromatismo, de constantes regalos en los arreglos, desinhibidas en su ligereza, densas en su melancolía. Pero escucha tras escucha se hace presente que en ocasiones es sólo una guitarra la que acompaña la desmesurada voz de Ana Bacalhau. Una voz que traga sentimientos, desbocada y pura, oceánica. Y estremece ver palpitar ahí toda la tradición ibérica, recuperar el tema de la mujer brava y cantar enfadada como nadie en “Fado Toninho” o elaborar la elegante fantasía de “Contado ninguem” acredita como si todo el orgullo femenino se volcase en la magnética canción.
Básicamente el disco sigue dos direcciones entre miles de detalles. A veces se vuelca en amoríos a los que se limpia la grasa del drama; la chica que se enamora del chico de la tuba en “Fon fon fon” y que le canta con la mayor alegría del mundo un pasacalles, o la brasileña que revoluciona una casa de fado a base de tropicalismo y forró. A veces las canciones se meten dentro de la piel a base de sencillez, conscientes de su escritura y sus sensaciones. Y permítanme la digresión, pero “Fado castigo” es la versión en el siglo XXI del “Sabor de barrio” de nuestro Gato Pérez, la misma tristeza y el mismo orgullo al defender la música popular. Esa música popular que cada vez más creo que es una, solamente.
Deslinda es un personaje inventado, la lisboeta que desde el balcón de su casa ve pasar la vida, las pequeñas tragedias, las sonrisas, las evocaciones y los deseos. Un personaje al que le presta cantar y escuchar el fado y al que la música es lo que mejor le hace comprender el mundo. Así dicen que han hecho el disco, y ojalá así vayan a resultar todos los que vengan porque la música en ellos afina la mirada y la sensibilidad.
Fate Lions fue fundado en 2007 por el compositor y líder, Jason Manríquez. Y, aunque la banda ha visto unos pocos encarnaciones, en última instancia, se ha convertido en un talentoso cuarteto de pop, rock y folk sacrificados músicos del Norte de Texas comunidad musical independiente.
"En alrededor de un año, que han pasado de lo que tan Americana acto a una de las mejores bandas de pop-rock de todo. Me han punta a mi sombrero para ellos de todos modos sólo para hacer lo que estamos haciendo: evocar Nick Lowe-ish,-y REM, Elvis Costello esque-80 de radio pop. Pero el destino de Leones no son sólo una especie de aping distintivo sonido de antaño a la leche simpatía nostálgicos de los antiguos instrumentos como yo. Que están siendo el verdadero trato, experta mezcla Jangly, irritable, countrified, Rickenbacker-teñidas con snappy solos, dedo del pie-tocando ritmos y ooh-ahh-ción armonías. "
- Anthony Mariani, de Fort Worth Semanal
La banda pasó un año de grabación "lo suficientemente bueno para ti" (título de un álbum en broma Manríquez desplumados de las propias experiencias en materia de familia y, curiosamente, los alimentos) en la broma Nourallah Salim estudio Lane en Dallas, Texas. Leones era el destino sin un bajista en el momento de la grabación, por lo que Nourallah intervino para llenar el proyecto de ley al mismo tiempo la producción del álbum. Desde entonces, han adoptado Tony Ferraro (Eaton Lago Tónicos, Bob Fante) como bajista de tiempo completo.
"Destino de Leones, al igual que Nourallah, hacer reflexivo pero unrepentantly suntuosa pop-oreja con cosquillas sónica florece como crema capas de coros, aplausos lado, panderetas, enigmático y una letra que paso hasta el borde de la melancolía, pero nunca caer en hastío. " - Jimmy Fowler, Fort Worth Semanal
Cory Helms (Polyphonic Spree, Profesional Jugo) rellenado de llaves, y regular los miembros de la banda Niki Saukam y Josh Hoover tocaba la guitarra y batería, respectivamente. El resultado es un exuberante, brillantes y de pop melódico álbum que lleva a sus oyentes a través de paisajes de los 80 riffs y 60 de relleno, mientras mantiene sus pies firmemente plantados en el presente a través de brillantes irónica letra y original-dedo del pie tocando melodías.
"Saukam y Manríquez" guitarras mantener gruñido justo lo suficiente para recordar a los oyentes de la veta madre de Teenage Fanclub, Elvis Costello, Smiths y canciones que informará a los Leones "sonido".
- Jimmy Fowler, Fort Worth Semanal
Fate Lions están preparando para producir un EP titulado "La casa de Ferrari", con una fecha tentativa fijada para enero de 2010. El título del PE es otra broma de que el jocoso Manríquez bromeó, "No podemos permitirnos un Ferrari para cada uno de nosotros, así que tendrá que compartir".
Hace poquito más de un año a la escena independiente española le dio un soplo al corazón y perdió, en un tris, a uno de los artistas más importantes que ha dado la escena musical nacional (dejémonos de historias, independiente o no) de las últimas dos décadas. Sergio Algora fallecía, pero pegaba su sombra con inmensas letras de colores en el pop español; las grandes melodías de los grupos en los que participó (“El niño gusano”, “Muy poca gente” y “La Costa Brava”), así como sus candorosas letras desbordan (en presente) de luz la sabiduría de este zaragozano tan excepcional, que también era poeta, dramaturgo y articulista; o sea, un gran narrador.
Ahora, dos discográficas (Grabaciones en el mar, donde se puede pedir el disco, y Mushroom Pillow) se han prestado a recopilar una colección de 14 canciones para hacer honor al esfuerzo de reunir la obra de varios años de discos míticos (“El efecto lupa” ó “El escarabajo más grande de Europa”) y dejar, al que se acerque por primera vez a escuchar estas canciones, la sensación de lo mucho que se perdió en esos años, escondidos tras las modas, los hits y las adocenadas listas de éxitos. Y todo ello con un precio del disco muy asequible, que también lo distribuye las tiendas FNAC. No hay excusa.
Y es que cuando uno se acercaba a tomar una copa al “Fantasma de los ojos azules” en Zaragoza, percibía desde el primer momento (esos bichitos de la portada del disco “El escarabajo más grande de Europa” que estaban en la puerta) un halo de magia que se captaba en el bar, con esos juguetes tirados por el suelo y la gente sentada tranquilamente, sin parecer percatarse de la historia que llevaban bajo el hombro los responsables del lugar.
No sé si Zaragoza se presta a ello, pero es una ciudad muy dada a crear, en un universo paralelo a la gran masa, unos nombres y unos bares muy curiosos. Ahí estaba el citado “El fantasma de los ojos azules”, “La lata de las bombillas”, “La caja de los hilos”…y así, sólo hacía falta pasear por sus calles para sentir el veraz y nada impostado gesto que han creado los habitantes de esa ciudad. El de sentir ese pop de melodías sencillas, con letras cotidianas, a veces con un tono de amargura que las hacía, si cabe, más verdaderas. Una vez, que tuve la oportunidad de charlar vía telefónica con Sergio, así me lo comentaba.
Ahora, con esta pequeña colección de canciones, su discográfica le hace un pequeño (por lo escaso del contenido), gran (por lo valioso de su mensaje) homenaje y otro (gran) obsequio a nosotros.
De esta manera, uno puede apreciar una historia de amor desgarradora (“Natasha Kampush”-hazme una perdida”), gritando eso de “Ya no nos da miedo que todo ahora pueda acabar”, repitiendo la letra para que se haga más concluyente. O cómo perder la cabeza por una relación amorosa, entre la memoria de fabricar otro recuerdo perfecto, narrada de forma impecable en “Mi última mujer”. ¿Y qué me dices de la irresistible “Quinceañeros”, con esa introducción orquestal que avanza una canción tan luminosa como perfecta?.
Hay varios momentos dedicados a la ausencia (“El hombre bombilla”) y, quizás, otros que podían haber quedado excluidos; como la versión que hicieron en clave rock del “Hoy no me puedo levantar” de Mecano. Pero son detalles menores en una selección que recuerda el vacío que ha dejado un artista como pocos.
Información sacada de : MUNDOMÚSICA y Texto realizado por Ángel del Olmo.
El músico americano ha grabado su tercer trabajo en solitario junto a un nutrido grupo de músicos catalanes
Jeremy Enigk fue el cantante de Sunny Day Real Estate, el grupo puntero del emocore, un género nacido a finales de los ochenta que fusionaba el hardcore con letras que abordaban temas emotivos y sobre el estado de ánimo. Tras la disolución de la banda, Enigk inició una carrera en solitario en la que se adentró en el territorio indie-folk como lo atestiguan discos como The fire theft (2004). Vale oso es su tercer trabajo y para grabarlo, Enigk ha elegido los estudios Ultramarinos Costa Brava, de Sant Feliu de Guíxols y se ha rodeado de músicos de la escena independiente catalana como Ramón Rodríguez (The New Raemon, Madee…) a la guitarra, Santi García (No More Lies) también a la guitarra, Ricky Falkner (Standstill) al bajo y Víctor García (Ghouls’n Ghosts), a la batería.
El resultado es un disco sorprendente en el que la voz de Enigk y sus enigmáticas, magnéticas y poéticas letras salen reforzadas gracias a su colaboración con los instrumentistas citados. Entre todos consiguen un sonido que podríamos calificar como rock alternativo para adultos, en el que el emocore, el folk, el power pop se funden para ofrecer momentos de gran belleza. Recomendamos “Sant Feliu de Guíxols”, el tema que cierra el álbum, una oda de tintes marineros de gran plasticidad.
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